1960년대 한국 영화의 르네상스를 이끈 유현목 감독의 대표작 <오발탄>은 한국 리얼리즘 영화의 정점으로 평가받습니다. 이 작품은 전쟁 이후 방향을 잃고 표류하는 한국 사회의 민낯을 사실주의와 형식주의의 완벽한 조화로 담아낸 명작입니다. 유현목 감독 특유의 완벽주의와 영상 미학이 어떻게 시대의 아픔을 스크린에 구현했는지 살펴보겠습니다.
리얼리즘 미학의 선구자, 유현목의 작품 세계
유현목 감독은 신상옥, 김기영과 더불어 한국 영화사의 위대한 영화 작가로 평가받는 인물입니다. 그의 작품 세계를 관통하는 첫 번째 키워드는 바로 '리얼리즘 미학의 선구자'입니다. 유현목은 인간의 운명과 존재, 분단 이데올로기의 갈등, 신과 인간의 구원 문제, 당시 한국 사회에 대한 냉철하고 날카로운 비판 의식을 있는 그대로의 현실로 묵묵히 재현했습니다.
<오발탄>은 2차 세계 대전 후 이탈리아의 황폐한 현실을 표현했던 '네오리얼리즘' 영화 운동의 영향을 받았습니다. 유현목 감독은 피난 시절 부산의 한 극장에서 <자전거 도둑>을 관람했고, 이는 <오발탄>에 직간접적인 영향을 미쳤습니다. 워낙 절망적이고 암울한 내용 때문에 제작 자금 구하기가 어려웠으나, 김진규, 최무룡 등 당대 최고 배우들이 노개런티로 출연하여 작품을 완성할 수 있었습니다.
영화 속 공간 구성은 극명한 대조를 보여줍니다. 근대화의 열매로 화려한 도심 한복판과 전쟁의 상흔이 남은 해방촌 판자촌의 소외된 모습이 적나라하게 대비됩니다. 감독은 현장 로케이션 촬영을 통해 서울의 거리와 산동네 골목길을 사실적으로 담아냈습니다. 이는 단순한 배경이 아니라, 전후 한국 사회에서 절망이 무엇인지를 나타내는 핵심 장치입니다. '오발탄'이라는 제목처럼, 의도하지 않게 잘못 발사된 총알처럼 전후 사람들의 삶이 뚜렷한 방향과 목표 없이 잘못된 방향으로 방황하고 있다는 메시지를 공간을 통해 전달한 것입니다.
형식주의 기교로 완성된 영상 시의 미학
유현목 감독의 진정한 작품 세계를 이해하려면 두 번째 키워드인 '형식주의 미학의 개척자'에 주목해야 합니다. 유현목은 내용에만 집중한 것이 아니라 그 내용물을 담고 있는 그릇, 즉 형식미에도 깊은 관심을 기울였습니다. 그는 "나는 영화를 찍을 때 논리보다는 어떻게 이미지로 구체화시킬 것인가를 중요시한다. 영화는 글로 쓰는 것이 아닌 스크린 위에 시각적인 이미지로 구체화하는 예술이다"라고 말할 정도로 진정한 영상 시인이었습니다.
<오발탄>은 시점 쇼트, 이동 촬영, 딥 포커스, X자 프레이밍 등 다양한 기교를 통해 시청각 미학의 정수를 보여줍니다. 특히 마지막 시퀀스에서 아내를 잃은 철호가 사랑니를 뽑고 서울 거리를 배회하는 장면은 주인공의 불안한 심리를 기가 막히게 전달합니다. 현기증을 느끼는 철호의 클로즈업과 그가 보는 듯한 느낌의 트래킹 쇼트, 초점이 흐려지는 치과 간판 등 '시점 쇼트'를 통해 관객을 주인공의 내면에 동화시킵니다.
가족이 사는 해방촌 집 내부를 촬영할 때는 의도적으로 'X자 프레이밍'과 '딥 포커스'를 사용했습니다. 전경, 중경, 후경에 인물들을 배치하고 모두 또렷하게 초점을 맞춤으로써 관객이 어느 한쪽에 동화되지 않고 상황 자체에 집중하게 만듭니다. 이를 통해 도덕을 지키려는 형과 일확천금을 꿈꾸는 동생 사이의 단절이라는 벽을 강하게 전달합니다. 이처럼 유현목은 카메라의 프레이밍과 앵글, 편집의 리듬, 쇼트의 깊이감과 사운드의 상징성 등 시청각적인 요소에 깊은 조예를 갖추고 있었습니다.
유현목 감독이 중시한 편집의 리듬인 '몽타주' 역시 중요한 형식적 장치입니다. 영호의 도주 시퀀스에서 은행을 턴 영호의 모습 사이에 자살한 여인의 시체나 노동자 시위대의 모습을 이질적으로 배치했습니다. 이는 영호의 도주가 개인의 타락 문제가 아니라, 황폐한 한국 사회의 민낯에서 비롯된 것임을 중의적으로 전달하려는 의도였습니다. 언뜻 보면 조화되기 어려운 사실주의 미학과 몽타주로 대표되는 형식주의 미학이 공존할 수 있었던 이유가 바로 여기에 있습니다.
전후 한국사회의 절망과 방향 상실을 담은 시대의 기록
<오발탄>이 제작되던 시기는 격동의 한국 현대사가 압축된 시간이었습니다. 영화는 이승만 정권의 자유당 말기에 촬영을 시작했지만 도중에 4.19 혁명을 맞이하게 됩니다. 민주화를 열망했던 당시 시대 분위기 덕분에 다소 표현의 자유가 허락되어 시대의 아픔과 위선을 시나리오에 좀 더 직접적으로 담을 수 있게 되었습니다. 그러나 워낙 제작비가 부족한 저예산 영화였기에 해를 넘겨 1961년에 완성되었고 그해 4월 국제극장에서 개봉했습니다.
공교롭게도 5.16 쿠데타로 정권을 잡은 군사 정부는 소재가 어둡고 반사회적인 분위기를 조성한다는 점 때문에 상영을 중지시키고 재검열받으라는 지시를 내렸습니다. 특히 극 중 치매를 앓는 주인공의 노모가 반복적으로 외치는 "가자!"라는 대사를 북으로 돌아가자는 의미로 해석한 당국은 <오발탄>을 불온사상을 전파하는 영화로 낙인찍었습니다. 영원히 대중과 만나지 못할 것만 같던 <오발탄>은 1963년 제7회 샌프란시스코 영화제 출품을 계기로 상영 중지 27개월 만에 을지극장에서 다시 개봉될 수 있었습니다.
노모가 외치는 "가자!"는 도대체 어디로 가자는 것일까요? 이는 전쟁 후유증에 대한 단순한 표현이 아닙니다. 폐허가 된 골목, 가난과 실업, 전쟁으로 인한 신체적·정신적 상처로 얼룩진 사회상을 사실적으로 표현하면서, 동시에 뚜렷한 방향과 목표 없이 방황하는 시대 전체의 외침입니다. <오발탄>은 실존주의와 기독교적 색채가 진하게 녹아 있는 작품이기도 합니다. 교회 종소리, 십자가 이미지, 구원의 손길 등이 등장하며, 최무룡이 연기한 영호가 은행을 터는 장면에서도 은행 내부 촬영이 불허되자 감독은 은행 밖 기독교 전도 행렬을 촬영하여 강도질하는 시간을 대신했습니다. 덕분에 단순한 액션 장면이 종교적 메시지가 더해진 명장면으로 남게 되었습니다.
<오발탄>의 문화적·역사적 가치를 인정한 뉴욕 현대미술관(MoMA)은 1993년 이 작품을 한국 영화 작품으로는 최초로 영구 보존했습니다. 이는 단순히 한국 영화사의 명작을 넘어, 전후 사회의 보편적 절망과 인간 존재에 대한 성찰을 담은 세계적 수준의 예술 작품임을 증명합니다.
유현목 감독이 2009년 작고하기 전까지 총 44편의 작품을 남긴 가운데, <오발탄>은 문예 영화, 종교적 구원, 분단 이데올로기라는 그의 세 가지 주요 작품 경향이 모두 응축된 대표작입니다. 사실주의와 형식주의의 완벽한 조화를 통해 전후 한국 사회의 절망을 영상 시로 승화시킨 이 작품은, 오늘날에도 우리에게 방향을 묻고 있습니다.
출처
영상 제목/채널명: https://youtu.be/J9Uk1JJ3Szg?si=78jtUIIV8LlEot_R